Realmente hay algo repelente en quienes se llaman a sí mismos intelectuales, creativos o artistas.No pasa nada cuando a alguien otra persona lo define de esa forma; el problema es la utilización de estas definiciones para aplicarlas a uno mismo.
La gráfica generativa, al igual que sucede con cualquiera de sus primas de modalidad (la música, los motion graphics o las piezas de diseño en 3 dimensiones), nos posibilita un acercamiento “divino” al acto creativo.
El artista es antes alguien que presiente que alguien que sabe. Palpa lo que le rodea (pero que aún no ve), encuentra y saca una cosa a la luz. Sospecha que por allí hay algo, pero al verlo es el primer sorprendido, quien primero se expone. Su razón de ser es arrancarle objetos a la invisibilidad; arrebatarle cosas al estómago de la oscuridad…
Cada molécula de realidad porta y merece belleza. Todo momento (no cualquier momento) es un momento especial.
Iba a escribir sobre la necesidad de modular, de aflojar alternadamente entre tensión y tensión. Sin silencio se degrada el poder comunicacional de lo hablado, sin los vacíos del papel no hay letra ni dibujo, sin el espacio entre palabras no hay palabras, sin fondo no hay figura, sin el espacio libre de objetos no hay movimiento posible, simplemente porque estaríamos incluidos como un insecto en ámbar. Tenemos que exhalar para poder volver a inhalar. Necesitamos modular porque sin esa dinámica sencillamente enloquecemos.
Como todos saben, en el Instituto Imperial de las Nubes los más reputados expertos estudian, disertan y regulan las formas correctas de nubosidad. Bienalmente publica el Tratado y Diccionario General de Nubes -hasta 2017 esto se hacía todos los años-, conocido coloquialmente como TraDiGeNu, donde se especifica la buena y la mala nubosidad, lo que puede y lo que no puede darse a determinada altura en la atmósfera.
La verdad es que no me resultan válidos, la enorme mayoría de las veces, los argumentos radicales. Y tampoco me resulta válido considerar que no sirven de nada. Siendo un poco menos general, diría que en una disciplina sí que es genial la radicalidad: en la ideación con fines de creación (ya sea innovación, creatividad o imaginación) allí sí que desafiar el límite es necesario. También diría que las posturas de extremo son particularmente inimplementables cuando se trata de situaciones sociales. Pero aún así, en este último caso, están lejos de ser inútiles.
Es imposible ya no ser justo, sino remotamente verosímil, hablar de Maradona y no hacerlo hablando del cúmulo, hablando de una gran multitud de cosas al mismo tiempo. Cuando pensamos en las esculturas sociales, esas creaciones colectivas como los líderes, los héroes, los ídolos, las costumbres o las lenguas, es preciso hacerlo desde una mente con forma de abrazo, antes que desde una con forma de aguja. Estas cosas no se pueden tratar desde el análisis sino practicando la síntesis.
Cada vez que algo no funciona como esperamos, sea porque se estropea, porque se nos presenta una mejor opción, porque se produjo un desfase entre el problema y la solución que representaba, etc, lo habitual es que intentemos corregirlo o reemplazarlo por una nueva versión de eso mismo. Por ejemplo, si algo le pasara a mi exprimidor de cítricos, dependiendo de qué cosa le pasara, intentaría repararlo o suplantarlo por uno que cumpliera correctamente su función. Lo que nunca se me ocurriría es pensar que “todos los exprimidores son igual de nefastos”, ni que “voy a cambiar el exprimidor por una corbata”. Pero por extraño que parezca, esto es exactamente lo que se repite una y otra vez en torno de la política: ante políticos inservibles, es común desacreditar funcionalmente a toda la política o reemplazar al político por un tecnócrata, un actor, un empresario o un misionero… y cada vez que esto sucede, el experimento sale mal.
A la metáfora se la puede definir como una figura de la retórica. Es un cortocircuito que se opera en el discurso para provocar algo en quien lo recibe. Una metáfora es básicamente la sustitución de una cosa por otra cosa. Gracias a ese cambio se produce la sorpresa en quien recibe el mensaje. Ese pequeño sobresalto puede tener la intención de remarcar algo (para que fijemos nuestra atención en ello), hacer que nuestra descripción sea más económica y efectiva, crear belleza o forzar su recuerdo.
Hace unos días estuve en Londres, pasando las fiestas de Navidad y fin de año. Como hago siempre que voy, me sumerjo lo más que puedo en su casi infinita oferta de cultura, de combustible para la curiosidad.
La sinestesia, esa supuesta activación o excitación de un sentido por otro, pone en evidencia en realidad los emparches que demanda la creencia infantil en las categorías, es decir, la creencia en que éstas pertenecen al mismo plano de las cosas.
La muerte de una persona puede llevar minutos, horas, días, meses o años (como perfectamente puede llevar toda una vida), pero sucede en un sólo instante. En ese instante es cuando precisamente muere y deja de ser para pasar a “haber sido”.
El único motivo por el que estaría dispuesto a creer en Dios, es aquel por el que precisamente se dejó de creer oficialmente en él. Esto es por el color, el ritmo, la forma y el desparpajo que tiene la Naturaleza de desafiar al vacío. Concebir y hacer una gota de amarillo o un pico o una suavidad interrumpida por una aspereza en una piel sin siquiera tocar a ese ser que los posee, hacerlo sólo con la sugerencia de un código, únicamente debería ser obra de ese Dios que no existe. Para creer en él como para no emocionarse ante todo esto, hay que estar igualmente loco.
Está clarísimo que no se puede comparar a un nogal o a un ciervo con un tumor o una verruga. Los primeros pueden presumir de diseño, mientras que los segundos no saben ni cómo se escribe esa palabra.
Estoy ahora mismo -cierto que más lentamente de lo que me gustaría- desarrollando un proyecto llamado Bypass Bazaar, que consiste en la creación de un framework creativo. Uno de los objetivos del mismo es reflexionar sobre los procesos de ideación y sobre cómo desplegar una contra-ingeniería de nuestra innata capacidad de reconocer (y repetir) patrones.
Imaginemos por un minuto -nos llevará más de un minuto lograr imaginarlo, créanme-, un mundo Bullshit Free. Un mundo donde no te digan que los shampoos tienen miel y avellanas, donde el candidato a gobernarte no finja que le interesa algo que tenga que ver con vos, donde Facebook no hable de proteger tu privacidad, donde por 24 horas no se pronuncien las palabras “agregar valor”, “liderazgo”, “big data” o “innovación”, donde no se diga “seguridad” cuando lo que se quiera en realidad decir sea “control”, o un mundo donde el concepto de éxito no tenga contacto alguno con la idea de ganar en un programa donde se cante, se baile, se coma o se duerma delante de millones de otros tipos que no tienen vida. Sí, es super jodido, pero si alguna vez se te ocurre hacer algo que no genere ni transporte bullshit, acá tenés la insignia:
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Claro que ver selfies a diestra y siniestra -sobretodo cuando se sospecha que esa cara autoretratada pertenece a una persona estúpida, o a alguien que de hecho nos desagrada- no se parece en nada a ver fotografías con mensajes anidados, propuestas de tipos que están buscando algo para sí y para los demás, o cualquier otra cosa que juzguemos de valor inmediato, de valor volcado en la propia pieza. Pero es un poco lo mismo que nos puede suceder cuando vemos un solo píxel de una gran imagen, un fotograma de una película, una frase de una novela o un instante en la vida de cualquiera: ponernos a juzgar la parte por el todo, es equivocar la escala.
Todo lindo, todo bien (y de paso, el logo más grande). A menudo el marketing suele decantarse por estar a favor de algo en lugar de estar en contra de alguna cosa. Esto se cristaliza en un precepto básico que es el del mensaje positivo, y que por ejemplo vemos a diario cuando una marca dice qué es antes de decir qué cosa no es, o cuando presenta un producto mostrando sus ventajas o beneficios en lugar de señalar aquello que ayuda a evitar. El origen de esta manera de comunicar es tan lógico como obvio: conectar de la forma más directa posible al receptor del mensaje con aquello que lo mueva hacia algo, en lugar de conseguir el mismo objetivo, indirecta y dudosamente, moviéndolo en contra de lo opuesto.
En una cultura como la nuestra, “que ve” antes que cualquier otra cosa, y que al ver comprende y sabe, (recordemos la expresión “¿lo ves?”, “do you see?” sinónimas de “¿comprendés?”), dotar de un selfie a un concepto sin cuerpo es potentísimo. Cuando lo que describimos es algo que puede verse -en el sentido óptico esta vez-, la descripción es eminentemente superficial: se comprueba claramente la diferencia entre graphein y logos, entre lo meramente dibujado o escrito y aquello a lo que se le da tratamiento.
Todo proyecto combina, de manera inevitable, dos tipos de elementos de base, es decir, aquellos elementos que componen los cimientos sobre los que se construye dicho proyecto. Estos dos tipos son: los elementos que se asumen por defecto y los que se asumen por diseño. Asumir algo por defecto implica no someter eso a una reflexión detallada. Se sobreentiende, se asume, se da por bueno el precepto sin considerarlo detenidamente. Asumir algo por diseño habla de una revisión puntillista de ese elemento: no se está aceptando “porque es obvio que es correcto” o porque “todo el mundo lo hace y se acostumbra”, sino porque luego de analizarlo se concluye que es apropiada su inclusión en el proyecto.
Si me sirve, es bueno. Ha sucedido con todas las -bien o mal- llamadas minorías: cuando se parecen a nosotros (o al menos se parecen a lo que nosotros queremos parecernos), nos sirven o son funcionales, o nos son fáciles de encajar y entender, entonces esos, los que pertenecen a esas minorías, son buenos. Esto sucedió con los “salvajes” americanos, africanos o australianos, sucede con los negros, con los árabes, con los chinos, con los latinos, con los homosexuales, con los modernos, con los viejos, con las mujeres, con los inmigrantes y también, con los discapacitados.
Leyendo el casi manifiesto cubista de Guillaume Apollinaire, Los Pintores Cubistas, de 1913, me encontré con este concepto: “Los artistas determinan de común acuerdo el aspecto de su época”. En este punto Apollinaire señala la capacidad que tiene el arte, de definir cómo será visualmente un período de tiempo determinado, aunque contemporáneamente esto no sea reconocido y hasta despreciado o negado (sobretodo en el caso de las vanguardias, sus contemporáneos repelieron a menudo sus propuestas).
Nazi él, nazis ellos, nazis nosotros, nazi yo. Cuando vivía en Buenos Aires, era socio del Goethe Institut. Casi todas las semanas pasaba al menos por su biblioteca en Corrientes al 300, y me empapaba de una cultura lejana, al menos en una Argentina -por aquellos años- cada vez más norteamericanizada. Y fue gracias a este hábito que tomé contacto con lo que experimentó la sociedad alemana luego de la segunda guerra mundial. Me refiero específicamente a cómo se pensó el límite de la responsabilidad de todo lo que había sucedido, provocado por el Tercer Reich en Alemania y en el resto de Europa.
A menudo y en relación a múltiples campos de la cultura, se suele confundir el concepto “under” con el de “indie“, asimilándolos en el mismo significado y cayendo en la falsedad común de la creencia en los sinónimos.
Tomar notas es como sacarle fotos a pensamientos: intentamos que ese concepto, que esa idea, que ese punto de vista no se nos olvide antes de que haya hecho su pequeño tatuaje en la corteza. Cuando se toman notas, tan importante como tener acceso inmediato al soporte que las captura (grabándolas en audio, fotografiándolas, grabándolas en video, escribiéndolas, dibujándolas, volcándolas a soportes físicos o digitales), es tener alguna estrategia de recuperación de las mismas: no poder volver a ellas eficientemente es casi lo mismo que no haberlas tomado.
Anoche soñé que estaba caminando por el barrio porteño de Devoto, cerca del colegio de sordomudos. Pasaba por una librería que en realidad no existe, compraba dos bolígrafos verdes diferentes (uno marca Bic y el otro desconocido), y a la hora de pagar doce pesos (tal el precio final), noto que sólo tenía en la mano poco más de tres. En ese momento recuerdo que durante el día había guardado un billete de diez euros en el bolsillo izquierdo de mi pantalón, por lo que meto la mano, lo saco y pago con él.
I wonder who is in jail. I mean, who is dangerous enough to be incarcerated, isolated, singled out from the others.
Of course you have those who are “against the law”, or rather, “against the others”, not in terms of the system, society by itself, but against simple, common people. In this group you have killers, rappers, real criminals. But you will find out that there are good people in jail too, people behind goodness, supporting good causes. And I think the better the cause is, the bigger the social ethics is behind the “crime”, the more dangerous the criminal is considered.
Let’s us go back to the sixties, the seventies, even much earlier, when popular music was much more than just entertainment. Looking back on those times, we can figure out why so many musicians were locked up: because they was too dicey for the system. They thought about things, said things, did things that it was an unbalancing factor… And this is something really bad if your are in the conservative side, like the establishment. Popular music had something to say, something to do. It was fresh, it brought about loads of new and valuable things. Pointing out subjects like racism, social inequality and outrage, system abuses, general exploitation, all of this issues that are supposed to be invisible, in fact are disturbing, inconvenient. So, vexing, annoying people that never understood that is better to sing about love (and your girlfriend, moonlight, flowers, angels and birds) should be turned out.
Let me bring in this idea: the former place of the popular music, is now the place of more recent ways to hack the system. Right now, not one contemporary musician is in jail to say or propose something disruptive; Assange and Snowden are. And even better: men of the street involved in things like “15M”, “Occupy Wall Street” or the “Umbrella Revolution”. Music just gave up on this responsibility: too many tacky songs, too much elevator music, “Muzac philosophy”…
“Jorge viste su perramus color azul”
“Hay tres patitos nadando en la laguna”
“Me gusta mucho el perro terranova”
El arte no sólo señala y orienta sobre un mapa dónde estamos; es también el diseño de dicho mapa.
Es decir que el arte demanda, como todo mapa, un relevo y una posterior reconstrucción del mundo.
Cuando uno establece contacto -vía una obra del tipo que sea- con el modelo de mundo que el artista presenta, logra entrar en ese mundo, en esa interpretación del mismo.
Realmente no soy dado a las teorías conspirativas en general, puesto que casi todas ellas son posibles gracias a una exagerada simplificación del mundo, y en oportunidades, a una incapacidad o negligencia a la hora de tomar responsabilidades.
Para que “ellos nos dominen”, “se nos oculte la verdad” y “tengan el control” de tal o cual situación macro, es preciso plantear que el sistema se compone de pocas piezas, que las mismas son muy netas y claras, y que hay presentes básicamente dos bandos con intereses encontrados, los cuales suelen identificarse como “el bueno” y “el malo”.
Iba a dedicarle a todos un estandarizado “Feliz 2014”.
Pero el sólo hecho de pensar qué cosa significa esto en serio, concretamente, me agota de manera mortal. Además, como hago todo siempre a último momento, ya no tengo tiempo de ponerme a considerar semejante asunto.
Qué son
Siempre me sentí atraído por los snowclones -esas pequeñas cadenas semánticas fácilmente modificables-, los phrasal templates -casi lo mismo que los anteriores, pero no necesariamente dependientes de clichés sociales-, y los anti-proverbs o perverbs -refranes y dichos populares subvertidos con fines habitualmente humorísticos-. Ante todo son piezas del lenguaje muy “jugables” por cualquiera; son la democratización del juego poético, de la actividad lúdica en torno de la función poética del lenguaje, aquella que se enfoca en el lenguaje mismo.
Cultura sharp.
Hace unos meses, leía la edición de la revista Monocle dedicada a Alemania: “Why the world needs the new Germans”, decía su tapa.
Aunque no explicitado de esta forma, lo que ese número se proponía era llegar hasta la molécula alemana, para definir su composición, su identidad última.
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